Mix Jockeys

El mundo de la grabación de audio es lo más fascinante y misterioso. Desde que empecé en esto de la música siempre es lo que más me ha interesado y ahora mismo estamos viviendo una época dorada para la grabación en todo el mundo.

Un poco de historia. Hasta más o menos el año 2000, la grabación profesional de audio era dominio exclusivo de los dioses del Olympo, gente con el dinero suficiente para alquilar un estudio o el equipo de grabación. Esto había sido así desde la introducción de la grabación en cinta en los años 50 del siglo pasado (de la prehistoria de grabación directamente en disco de cera ni hablamos). Se lo podían permitir las discográficas y nombres consagrados. Las pequeñas bandas podían grabar en estudios más pequeños con menos medios y conseguir sonar semi-profesionales.

La revolución llegó más o menos en la década pasada cuando los secuenciadores MIDI incorporaron la posibilidad de grabación de audio digital, naciendo el concepto DAW (Digital Audio Workstation). Y desde entonces no ha habido vuelta atrás.

Hoy en día Pro Tools es el estandar de la grabación  universalmente aceptado, y a diferencia de la 24 pistas de dos pulgadas que costaba millones, hoy todo el mundo se puede permitir tener un Pro Tools (o Logic Audio, o Ableton o Cubase, etc) que como mínimo permite 64 pistas de audio en calidad de CD como mínimo. Incluso se puede grabar en el smartphone con calidad de estudio. Los plug ins de efectos surgieron a mitad de la década pasada a medida que aumentaba la potencia de los ordenadores, con lo que cualquiera tiene a su alcance (gratis si se lo propone) más herramientas que las que tenía un estudio comercial en los años 90 (no digamos en los 60).

Esta revolución no solo ha supuesto cambios en la forma de grabar (donde, cómo, cuándo), sino en la forma misma de hacer música. Como antes el tiempo de estudio era caro, había que llevar las canciones perfectas y había que saber tocar. Ahora gente que no sabe realmente tocar o cantar suena bien, porque no solo se graba audio. Se trocea, se estira, se moldea como plastilina, se corrige y se coloca donde se quiere. Lo que antes suponía horas de ensayo de la banda para captar en el estudio una buena interpretación, ahora supone horas de alguien que se pone a los mandos del DAW y consigue sacar de una interpretación mediocre música coherente.

Y ahí está la clave del asunto. Las bandas y los cantantes saben esto, así que se esfuerzan menos. Por eso gente como Dave Grohl ha hecho bandera del antiguo enfoque de grabación y ha grabado su último disco en cinta y repitiendo las cosas hasta que salen. Pero eso no es lo habitual. Lo habitual es que el peso esté en quien mezcla las 100-200 pistas de un tema promedio hoy en día.

De hecho, ya no se trata de mezclar como antaño. Se trata de interpretar, y hay pocos que lo hagan realmente bien. Una cosa es tener acceso a las herramientas, otra muy diferente es saber usarlas para conseguir que 120 pistas de audio inconexas de guitarras, bajos, percusiones, baterías sin ritmo y voces desafinadas suenen como un disco.

Gente como Dave Pensado, Manny Marroquim, Joe Chicarelli, Andy Wallace, Chris Lord-Algee, Tony Maserati , Jack Joseph-Puig o Eddie Kramer que vienen de grabar en los viejos tiempos, son quienes han marcado el camino a la nueva generación que trabaja con ordenadores. Comparten sus conocimientos online con generosidad, enseñan sus trucos y hacen parecer fácil lo difícil, a la vez que demuestran que la mejor tecnología de la que disponen no es ni software ni hardware. Son sus oídos, su buen gusto y su talento. Ellos son las rockstars en la sombra.

Os dejo un video de Dave Pensado compartiendo su sabiduría.

Lou Reed se va

El rock es una de las profesiones con más mortalidad. Se han ido muchos muy jóvenes por diversas razones, sobre todo drogas, accidentes de tráfico, aviación, suicidios. Cuando hoy he oído que Lou Reed se había muerto, lo primero que pensé fue que es el primero de los grandes de la generación de los 60 que se va de viejo, con 71 años. Ahí siguen Los Beatles Paul y Ringo con 71 y 73, Dylan, todos los Rolling Stones, David Bowie, Iggy, y por supuesto Lemmy. Lou se ha ido a una edad ya venerable.

Curiosamente esta mañana me he acordado de él. Leyendo una entrevista a Paul Weller le preguntaban por su aspecto de dandy y la importancia de vestirse bien, y que si le importaría que sus hijos fueran todo el día vestidos de chandal. He recordado que Lou recibía críticas por salir con chandal a actuar. Unas horas después, Lou ya no llevará más chandal.

La realidad es que con chandal o en bañador, Lou Reed fue uno de los grandes, uno de esos que plantan semillas para que muchos otros músicos recojan los frutos. Con Velvet Underground y en solitario fue dejando señales y abriendo caminos nuevos en forma de álbumes atemporales y canciones clásicas, iconos de la historia de la música como "the Velvet Underground and Nico","White Light/White Heat","Transformer" o "Berlín".

Ahora empieza la necrofilia, las cajas recopilatorias, las rarezas, las demos escondidas. Seguirá vendiendo, probablemente más que en vida como siempre pasa.

Su manera de componer, su voz, su forma de tocar la guitarra, sus atmósferas fueron guía para muchos. Y es que conseguir hacer temas comerciales que cante hasta tu abuela con referencias a sexo hardcore y drogas solo lo consigue un genio. El lo fue.

Descanse en paz en la Factory en 1967 con Andy, Nico, Joe, Sugar Plum Fairy. Dejo video con uno de esos temas mágicos que te transporta a otro sitio como solo saben hacerlo los grandes con tres acordes.

Dinosaur pile up, ¿el futuro ya está entre nosotros?

Por futuro me refiero al revival del grunge. Solo hay que mirar la lista de "éxitos" (el top singles de itunes por supuesto) y ver que el panorama es desolador para el rock. No hay bandas de rock, y las que hay tienen un sonido retro 80s lleno de sintetizadores. Esto cada vez recuerda más a 1990, y eso que ya estamos completando 2013, el cuarto año de la década. Pero los 60 también empezaron en 1964...

Si quieres escuchar rock, lo puedes escuchar, por supuesto, pero buscando y rebuscando entre cientos y cientos de bandas, canciones, listas...La verdad es que hay mucho ruido, mucha cantidad, pero calidad por encima de una media bastante mediocre, poca. Ahhh, casi echo de menos cuando sólo tenías que escuchar el grupo del momento. Igual que te dedicas a echarte la gasolina, y a montar muebles, en este mundo del siglo XXI, te tienes que dedicar a encontrar música buena. Lo que antes hacían las compañias de discos por tí, vamos.

Hace un par de días he encontrado un grupo con el que ha aparecido la bombillita. Escuchas tres segundos de una canción y dices, eh, párate ahí...¿qué es esto? Pues es Dinosaur Pile Up, banda de Leeds, Reino Unido con un sonido demoledor a base de batería, guitarras y bajo, que además tienen buenas melodías... Y no, esa combinación no es común hoy en día. 

Por supuesto me puse a investigar inmediatamente. Era el proyecto en solitario de Matt Bigland, con su bandcamp y todo, pero viendo que funcionaba la banda pasó a ser real. Llevan ya dos discos "Growing Pains" y "Nature Nurture", y un EP con el inteligente título de "the most powerful EP in the universe" (no es coña, con ese título seguro que muchas personas han entrado a escuchar su música).

Y convencen. Tienen canciones, actitud, e inteligencia. Inteligencia porque el cambio está a la vuelta de la esquina. No tienes más que pasarte por tu ciudad para ver a más de dos chicos/as nacidos en los 90 con su camiseta de Nirvana para los que Kurt Cobain es como para mí John Lennon. De acuerdo, no es 1990 y seguramente nadie llegará a ser tan masivo como Nirvana lo fue entonces, pero fijo que se puede llegar a ser tan masivo como Muse, o como los Arctic Monkeys. Y estoy convencido de que el mundo está esperando a la siguiente banda de menos de 30 años que suba sus amplis de guitarra a más de 6. Miley Cyrus puede ser muy mona chupando un martillo, y Adele muy tierna, y John Newman muy Rick Astley, pero el rock siempre vuelve. 

La crítica de su último disco "Nature Nurture" (que es fabuloso de principio a fin) en NME es solo un 6/10. Les achacan que no hacen "ninguna concesión a la modernidad" (o sea, que no usan sintetizadores vintage), lo que solo me indica que están en el buen camino. Son conocidos en UK, y este año están girando por los USA, con lo que falta poco para que lleguen a la Europa continental. 

Un ejemplo, no me puedo quitar de la cabeza este "Derail". Buenos, muy buenos...En algún lugar del mundo está la siguiente gran banda de rock. Podrían ser ellos perfectamente.

Paul McCartney, "New"

Paul McCartney tiene disco nuevo de material nuevo. Mi teoría era equivocada. Tras sacar "Chaos and Creation in the Backyard" en 2005 y "Memory almost full" en 2007, pensé que sacaría un album nuevo cada dos años. Más o menos ha sido así, pero en proyectos paralelos como "Electric Arguments" (Fireman, 2009) o el "Kisses on the bottom" (2012). Estos dos últimos tenían material nuevo, pero no son el "nuevo disco de estudio de Paul McCartney". Este sí, pero ha habido que esperar 6 largos años. Y él tiene ya 71. Da igual.

Este se ha esforzado en promocionarlo como algo "Nuevo", desde el single hasta la portada, y ha vuelto a repetir una constante de toda su carrera en solitario. La elección de productores "in", que es el secreto de su longevidad . Tras unos años de la separación de los Beatles (básicamente la carrera de Wings) en los que él mismo producía los discos, a finales de los 70 decidió contar con un productor para su nuevo proyecto, y eligió a Chris Thomas, que acababa de sacar el "Never mind the bollocks" de los Sex Pistols. Desde entonces ha trabajado con casi todos los productores grandes del momento, los que tienen el sonido que se oye en la radio: Hugh Padham y Trevor Horn en los 80, Jeff Lynn en los 90, Nigel Godrich y David Khane en los 00, y ahora en la nueva década ha probado con varios para este "New". Pero le han gustado todos, así que es un disco con cuatro productores nada menos.

Se da la circunstancia de que son todos de la generación de sus hijos, o hijos de antiguos colaboradores suyos. Mark Ronson (Amy Winehouse) Paul Epworth (Adele), más Giles Martin (hijo de George) y Ethan Jones (hijo de Glyn). A pesar de todo, Paul es perro viejo. Por mucho que los productores sean diferentes, él es quien lleva la voz cantante. Sí, hay guiños a música electrónica para darle un aire actual, pero todo el disco es McCartney. No va a sonar como Lady Gaga de repente.

De hecho, es un disco más acústico. Mucho trabajo de guitarras de 6 y 12 cuerdas, que recuerda a los primeros 70 con los Wings. Son los momentos más electrónicos los que parecen más metidos con calzador ("Appreciate"). Lo único que noto es que su voz ya no es la que era. Sigue siendo él, pero como es lógico con 70 años no proyecta igual que con 27 o incluso con 60. Su voz se quiebra en momentos, lo que le da un aire melancólico en íntimo, y desde luego esa voz rock de Helter Skelter, Jet o Hey Jude ya no está ahí. Aún así ya querrían muchos defender las canciones como él lo hace en 2013 (no digamos en 1970).

Lo que sigue teniendo como siempre es el toque mágico de incrustarte los estribillos en el inconsciente, y no los puedes dejar de repetir. Parece sencillo, pero es la clave de todo el mundo del pop. Conseguir hacer una melodía que se clave en las vidas de la gente del planeta Tierra es lo que este hombre ha conseguido en infinidad de ocasiones desde 1963, y lo sigue haciendo. Son esos los mejores momentos del album. "Save Us", "Queeny Eye", "Everybody Out there" y el single "New" son imposibles de quitar de la cabeza una vez oídos.

Sí, hay autoreferencias. "New" es el ritmo de Penny Lane, coros a lo Beach Boys y melodías que ya había hecho en los 70, pero siguen funcionando. "Everybody out there" trae a la memoría directamente su periodo Wings, con esos coros a lo "Mrs. Vanderbilt". En "I can bet" utiliza el mismo riff de guitarra que ya usara en "Only Mama Knows", hay temas acústicos en la línea de "Three Legs" de RAM ("Get me out of here") o temas de piano en la tradición de "Fool on the hill" (la pista "oculta", "Scared")...Vamos, que es él el que compone y toca y se nota, pero los fans no esperamos a Metallica de repente, y él lo sabe.

En "Early Days" habla sin tapujos de los que escriben sobre los Beatles, y les dice literalmente que ellos no estaban allí para saber cómo fue, o si John Lennon compuso esto o esto otro. Bueno, es cierto que no estaban allí, pero Mark Lewinshon posiblemente sepa más de su época beatle que él mismo. Tiene que ser a la vez curioso y un poco intimidante ser una figura histórica (que es lo que son los Beatles a estas alturas), leer sobre tí cuando tenías 21 años y no reconocerte.

Digamos para cerrar que es un disco más que correcto, con momentos pop de mucha altura (lo que no es raro porque este hombre básicamente inventó el pop). No es "Nuevo", no se le puede pedir a Paul que reinvente la rueda e introduzca novedades que cambien el juego, pero lo que él hace lo sigue haciendo como nadie. Y seguirá haciéndolo porque la música es su hobby, en "ocupación" pone "business executive".

Nirvana "In Utero", 20 aniversario

Este septiembre se cumplen 20 años (¡20 años!) de la publicación del último disco de estudio de Nirvana, In Utero, y ya tengo en mis manos la caja de tres CDs y DVD que celebra el disco como un momento especial en la música.

Tengo que reconocer que a pesar de haber comprado el Nevermind en 1992, no compré In Utero en 1993. Y eso que recuerdo el video de "Heart Shaped Box" y pensar que era una canción increíble. Y es que en aquella época no escuchabas TODA la música que salía al mercado. Con los años, he llegado a apreciar el album como lo que es: el mejor disco de estudio de Nirvana.

Nevermind fue sin duda el disco fundamental, el del cambio de guardia en la industria musica. La unión de metal, pop y punk rock conocida como grunge se adueño de las listas. Pero debajo de las murallas de guitarras distorsionadas, era un disco bastante medido para la radio.

En 1993, el nuevo disco de Nirvana era probablemente uno de los más esperados de la historia. Y ahí es donde se empieza a escribir la leyenda de este In Utero. Muchas bandas se hubieran metido en el estudio a intentar repetir por todos los medios el éxito de Nevermind. Mismo productor, canciones similares, incluso mismo estudio...Pero Kurt Cobain estaba hasta las narices del Hype, y del sonido domesticado de Nevermind, y quería devolver la esencia punk rock a su banda.

Llamaron a Steve Albini, productor alternativo por excelencia y lo más alejado posible de la industria (tampoco Buth Vig lo era en 1991), con discos como Surfer Rosa de los Pixies, Pod de los Breeders, y en especial, Liar de Jesus Lizard, que fue la referencia del sonido buscado que Kurt manejó durante el proyecto. Con él se metieron durante dos semanas en febrero de 1993 en una casa/estudio en un congelado Minnesota para grabar los temas que habían maquetado con Jack Endino (claramente, intentaban volver a los orígenes, Endino produjo Bleach en 1988).

Y grabaron un disco que no deja lugar a dudas. Con el grunge todavía volando muy alto, pero con una saturación del mercado ya evidente y un sonido muy pulido en el estudio, Nirvana grabaron un disco de punk rock sin compromisos. Ninguna de las canciones superó las tres tomas. Tocaron todas en vivo, y redujeron los overdubs a un mínimo de las voces de Kurt y alguna guitarra más, pero sin ninguno de los artificios de Nevermind. La energía primigenia está presente en cada surco del vinilo y cada bit del CD.

Esa es una de las razones por las que In Utero es superior en mi opinión a Nevermind, presenta a Nirvana exactamente como eran, como sonaban. Es lo más parecido a estar en la sala con ellos, sonaban así, no como en "Come as you are". Albini es experto en eso precisamente, traducir el sonido de las bandas tal cual es. Hay que ser valientes para hacer lo que Nirvana hicieron.

Pero es que Kurt llevaba un puñado de canciones excepcionales en sus libretas. "Heart Shaped Box" es sin lugar a dudas su mejor tema. La letra es la más enrevesada declaración de amor hecha canción en la historia de la música . Kurt había alcanzado la madurez como compositor y artista y jugaba con imágenes escabrosas, creando su propio mundo alrededor, haciendo que fluyeran, y siendo a la vez fascinantes.

"Rape Me" es su comentario sobre la industria musical. Se sentían violados, usados, maniatados, y lo decían en voz alta. "Serve the servants" es sobre figuras paternas donde incluye a su propio padre y a su compañia de discos. Abrir el disco siguiente a Nevermind con ese "teenage angst has paid off well"...uau...

Como en todo disco clásico, están las 3 o 4 canciones que son las que te llaman la atención al principio, y luego están las que se convierten en tus favoritas. Para mi "Frances Farmer will have her revenge on Seattle" es la mejor. La voz de Kurt es de las mejores que grabó (no me atrevería a decir la mejor, como cantante Kurt llegaba muy alto), transmitiendo rabia e ira en cada sílaba, en especial con la segunda frase "it´s so relaxing to see that you´re asking..."

Y luego están los temas más experimentales como "Radio Friendly Unit Shifter", otro comentario sobre la industria musical con mucha ironía, y "Very Ape", "Scentless Apprentice", o "Milk it", o "Tourette's", donde descargan toda la adrenalina que no pudieron descargar en su asalto al poder en 1991, pero que siguen manteniendo el equilibro entre melodía y volumen.

"Pennyroyal Tea" es magnífica en todo. Ese "give me a Leornar Cohen afterworld, so I can sigh eternally" es tan original que solo podría haber salido de esta banda. Retrospectivamente por supuesto, pone la carne de gallina pensar que meses después de salir el disco Kurt estaría muerto, y las referencias al "más allá" cobran un significado más siniestro.

En la caja 20 aniversario por fin se publican oficialmente las mezclas iniciales de Steve Albini que Geffen rechazó. Solo son un par, "Heat Shaped Box" y "All Apologies", que salieron como singles y fueron remezcladas por Scott Litt, habitual de R.E.M, y con un sonido más "radio friendly", el resto salió tal cual, remasterizado, eso sí. No hay grandes diferencias, si acaso los solos de guitarra con mucho más efectos, y la duplicación de pistas vocales, que hay que admitir que quedan bien. Pero es que además Albini ha remezclado todo el disco, sacándose supongo la espinita de 1993. Y en muchos casos ha dado con las versiones definitivas de las canciones. Ha habido muchos avances en 20 años en sonido, y se nota.

El DVD con uno de sus últimos conciertos fundamentales, el Live and Loud en Seattle, es impresionante. Están todos los éxitos, está In Utero, la banda en estado de gracia, y está Pat Smear. Imprescindible.

En definitiva, el disco fundamental de una banda fundamental, que implosionó poco después, pero que durante esos 3 años de 1991 a 1994 brilló con intensidad cegadora. Dejad por unos días la copia del Nevermind y meteros de lleno en este disco. La frase que os vendrá a la cabeza es "¿pero esta canción no estaba en Nevermind?". NO, es de "In Utero".

Otoño Beatle

Para empezar, Paul McCartney tiene disco nuevo, "NEW", que saldrá a la venta en octubre. El single de avance ha salido estos días. Producido por Mark Ronson, hay buenas perspectivas para otro album clásico de Macca.

Pero es que esto solo es el aperitivo...Se comenta, se rumorea, se dice que hay nuevo album de los Beatles también para este otoño. Se han "encontrado" nuevas grabaciones en archivos de la BBC y saldrán a la venta en noviembre, como un volumen 2 de aquel "live at the BBC" de 1994. Parece ser que ya hay incluso portada para el disco, que reproduzco debajo. Se llamará "On Air- Live at the BBC volume 2". Aun ni siquiera aparece en la página oficial del grupo, así que es primicia ;-)

Como beatlemaniaco, me lo voy a pasar en grande. Mis mejores recuerdos de toda la vida tienen que ver con ir a comprar discos de los Beatles a la tienda, traerlos a casa, abrirlos, ponerlos y descubrir que la vida huele a vinilo.

Reunión de Oasis 2014, "Definitely won´t happen", según Noel

En el 20 aniversario de "Definitely Maybe" Liam quiere reunir a Oasis, pero Noel, con su ingenio habitual, ha dicho que "definitivamente no sucederá". Yo creo que está bastante claro quién es el que echa más de menos a la banda. Liam debe de estar de bajón por el palo crítico a lo nuevo de Beady Eye (que ciertamente no tiene mucho de memorable).

La verdad es que molaría. Estaría muy bien volver ver a la banda junta aunque fuera por un par de conciertos en el aniversario de su mejor disco (y uno de los mejores de la historia del rock). Pero si pasara, que no va a pasar, lo ideal sería ver a la banda original con Bonehead a la guitarra rítimica, y Tony McCarroll a la batería (Guigsy es más prescindible). Esa era la mejor formación , y fue la que grabó "Definitely Maybe".

De hecho Andy Bell, Gem Archer y Liam Gallagher son Beady Eye . Si pones a Chris Sharrock a la batería, lo que tienes es una reunión de Beady Eye con Noel Gallagher. Si pones a la formación original tienes a Oasis de 1994-1995, o sea, la época dorada. Un lujo.

Es más, si Noel al final cediera, creo que querría al menos a Bonehead a la guitarra (con McCarroll no se llevaba bien). Paul Arthurs y McCarroll son dos músicos absolutamente infravalorados en mi opinión. Como pasa siempre en las bandas, el todo es más que la suma de las partes, y ellos dos le dieron a la banda la mejor base rock and roll que ha tenido en toda su historia. Solo hace falta escuchar el disco. Oasis nunca más ha sonado como en "Definitely Maybe".

Sí, Alan White era un buen batería y Tony McCarroll no podría haber sacado adelante "Wonderwall" o "Don´t Look back in Anger", pero tampoco creo que Alan White hubiera sacado adelante la grabación original de "Rock and roll Star", o "Live Forever". De hecho perdían cuando él los tocaba en directo. Tony McCarroll tenía una forma de tocar simple, directa, sin sutilezas, pero es que cada vez me queda más claro que los mejores músicos no son los que tocan más sino los que tocan menos, dejan espacios, y crean la base perfecta para que el grupo funcione como un todo. Pasa parecido con Kim Deal en los Pixies.

2014 llegará y pasará sin reunión de Oasis. 1994 queda muy atrás. La mejor manera de celebrar el 20 aniversario será poniendo el CD original y subiendo el volumen.

http://www.nme.com/news/oasis/72084