Canciones para el fin del mundo

Como hoy se acaba el mundo, que me pille con una buena banda sonora. Las siguientes canciones son todas increibles y su atmósfera es apocalíptica.

"Climbing up the Walls", Radiohead. La canción apocalípica de un disco apocalíptico. Un tambor tribal, unas voces distorsionadas, unas guitarras distorsionadas por extraños ecos, unas cuerdas infinitas que suben y bajan. Si los mayas tuvieran una canción en la cabeza para tallar su calendario, sería esta.

 



"Gimme Shelter", The Rolling Stones. Para mí, el mejor tema de los Rolling Stones en una carrera de 50 años por encima de unas cuantas joyas absolutas. A pesar de que Keith la escribió porque llovia, es un ejemplo de manual de cómo se puede llegar al arte desde una experiencia cotidiana. Ninguna canción transmite tan bien la urgencia, el miedo, la violencia, los tumultos callejeros, la desazón social...y eso que la escribieron en 1969, en medio de hippies y flores. Unos adelantados a su tiempo, y más vigente hoy que nunca.

 

"Something in the way", Nirvana. Para Kurt Cobain el fin de los tiempos podía ser cualquier día, y eso lo refleja en muchos de sus temas. Me quedo con el último tema del Nevermind. Hicieron bien en quitarle la electricidad y dejarla en una guitarra y la voz desnuda de Kurt mas un chelo que hiela la sangre. La banda sonora para después de un holocausto nuclear.

 

"Tomorrow Never Knows", The Beatles. Vale, la canción era sobre viajes de LSD, pero las canciones de Lennon funcionan a muchos niveles. Desde luego funciona para ver llegar un tsunami inmenso. "Turn off your mind, relax and float downstream, it is not dying...". Cómo consiguieron menos de dos años después de "She Loves you" sonidos con la tecnología de 1966 que siguen estando vigentes hoy en día es una de las razones por las que siguen siendo los mejores en el siglo XXI.

 

 

"It´s the end of the world (as we know it)",  R.E.M. No por obvio es menos claro que esta es la canción del día. Michael Stipe uniendo una letra digna de Bob Dylan con un tema digno de los Beatles. Si el mundo se acaba hoy, que Charlton Heston descubra un CD con esta canción en vez de la estatua de la libertad en el año 3856. Les podría decir a los simios, "sí, los humanos nos hemos cargado la tierra, pero también podíamos hacer esto".









Reunión de Nirvana!!!

Ayer noche en el escenario del Madison Square Garden, se anunció que Nirvana volvían a tocar. El que lo anunció fue Sir Paul McCartney, para a continuación llamar a Dave Grohl, Krist Novoselic y Pat Smear, que ocuparon sus respectivos lugares detrás de la batería, bajo y guitarra, y lanzarse con Macca a la slide guitar en una improvisación de unos minutos.

Por supuesto todo era una broma en una actuación benéfica por el huracán Sandy, pero es además muy revelador. Y es que un Paul zurdo, poniendo su voz de Helter Skelter y su don para la melodía no está muy lejos de lo que era Kurt Cobain musicalmente, quien en 1984 se pasó el verano entero escuchando obsesivamente no a Black Flag, sino la banda sonora de "Give my Regards to Broad Street", para llegar a decir que Paul significaba más que su padre para él.

Eso era Nirvana; los Beatles más punk rock. Ni más ni menos. Courtney Love, quien si no, vino luego a embarrar el tema un poco soltando que "si hubiera sido John Lennon..." Simplemente por tocar las narices, claro. Aunque estoy de acuerdo en que John también hubiera funcionado en Nirvana. En su disco "Plastic Ono Band", el primero que grabó sin los Beatles, está la semilla del grunge, con su auto analisis y gritos primigenios. Kurt Cobain lo tenía clarísimo. El era Lennon y McCartney en uno.

El hijo de Paul, James, tiene que estar hoy en el séptimo cielo e hinchado de orgullo. Su banda favorita no son los Beatles, sino Nirvana. A mi me molaría ver a mi padre de 70 años tomar el lugar de mi ídolo en mi banda favorita. Y es que esto es rockandroll.

http://www.mondosonoro.com/Noticia/El-video-de-la-reunion-de-Nirvana/221503.aspx

Sound City, documental de Dave Grohl

Primera película de Dave Grohl como director, que se estrenará en el festival de Sundance en breve, sobre los estudios de grabación Sound City en Van Nuys, California.

Ya solo el trailer emociona. En dos minutos repasa la historia de los estudios, y de todos los discos que se hicieron allí, para luego pasar a revisar el presente: ordenadores, plugins de efectos, que contrastan con la mesa Neve que pesará una tonelada, y las máquinas multipistas de cinta. Los comentarios son reveladores, "ey, ya no hace falta ensayar, lo cortas en el ordenador, y sale perfecto".

Desde luego la tésis de la película está clara. El mismo Dave Grohl lo dijo el año pasado en los Grammys al hablar del último disco de Foo Fighters; grabaron en su garaje con cinta, y repitiendo tomas hasta que salía bien.

Y el final será todos los músicos que grabaron en Sound City haciendo música allí, todos juntos, tocando y grabando a la vez. Rock and roll. El comentario de la voz en off es que todos ellos "encontraron su hogar en Sound City". Es bonito y nostalgico teniendo en cuenta que Sound City ha cerrado y que lo tuvieron que reconstruir como un plató de cine solo para la película. La mayoría de estos templos míticos de grabación, como este y Olympic Studios han cerrado. Abbey Road probablemente lo haga en breve.

Aunque estoy contento de que no solo se pueda hacer música de calidad en templos como estos con equipos millonarios.

"Be Here Now" tras 15 años

En otra entrada sobre Oasis dije que me gustaba "Be Here Now". Este artículo del NME demuestra que no estoy solo en mi revisión de este disco, y que ha tenido uno de los más extraños recorridos críticos de la historia de la música.

http://www.nme.com/blog/index.php?blog=1&p=12642&more=1&c=1

Lo normal es que salga un disco y sea reconocido como muy bueno, normal, regular o malo, y que ahí se quede, o que salga y se diga que es malo, y con los años se valore más. Este disco salió, y la crítica lo trató en general muy bien. Luego con los años empezó todo el mundo a decir lo malo que era. Y ahora, 15 años después, ya no parece tan malo. Vamos, una montaña rusa crítica.

Nunca ha sido mal disco. Las canciones en muchos casos son muy buenas. Además, es un disco histórico, porque marca para muchos el final del britpop. En 1997, a pesar de que el mundo estaba esperando el siguiente disco de Oasis, Radiohead ya llevaba ahí unos años y sacó su tercer disco, "OK Computer", que fue el cambio de guardia definitivo. Oasis le entregaban el testigo a la banda de Thom Yorke.

El problema que tuvo, tiene y tendrá el disco es su duración. Si se coge el tracklist, la canción más corta tiene una duración de un tema normal tirando a largo, 4:22. Y hay cuatro temas que superan los 7 minutos, con uno llegando a casi 10 minutos. Y eso es consecuencia de la falta de capacidad crítica de todos los involucrados, emborrachados de éxito en la cúspide de 1996. Me imagino que las sesiones serían un "somos los más grandes" contínuo, productores incluidos. Nadie estaba ahí para decir, "eh, vamos a dejar All around the world en 6 minutos", o "si repetimos 2 veces el estribillo en este otro tema en vez de 6 veces quedará mejor". Si el disco fuera un libro, se habría quedado en un primer borrador, que suelen ser mucho más largos, y le faltaría la labor de edición.

Si quisieran poner las cosas en su sitio, deberían volver a sacar el disco editandolo a una duración más inmediata, y se vería que en realidad no hay canciones malas, todas superan el notable, y saldrían a la luz joyas olvidadas como "I Hope I Think I know", uno de los mejores y más garajeros temas de Oasis, que pasó desapercibido en medio de las orquestas  y los 10 minutos 40 segundos de "All around the world".

Ahora que Oasis no existe, y teniendo en cuenta que ya han sacado todas las recopilaciones y directos posibles, solo queda la vía de la reedición de los álbumes clásicos en bonitos box sets con tomas alternativas, sesiones, maquetas. Y ahí con "Be here now" tendrían que sacar las tijeras.

Maquetas de temas clásicos

Gran artículo del NME con 16 temas que hicieron historia, pero que podrían no haber hecho historia si se hubieran quedado en el estado de maqueta (con links a un video de cada maqueta original).

http://www.nme.com/blog/index.php?blog=1&title=dodgy_demos&more=1&c=1&tb=1&pb=1

Oasis, Blur, Queen, Michael Jackson, Kasabian...grandes nombres, grandes canciones. Una gran pista de cómo se consigue llegar a hacer gran música, y una prueba de manual de que el arte es un 10% de inspiración y un 90% de transpiración.

Sí, los acordes pueden estar ahí, sí, puede estar la canción entera, acordes y letra, pero puede faltar mucho aún para tener un tema clásico. Un cambio en el ritmo, un cambio en el tono, una interpretación con más garra, incorporar un instrumento determinado o retirar otro... Mucho trabajo para llegar. Y eso es lo que marca la diferencia entre los grandes y los mediocres.

Estoy seguro de que hay muchas maquetas tan buenas como estas rondando por el mundo que nunca escucharemos. Muchos temas que podrían llegar a ser muy grandes que nunca verán la luz, porque aunque ha habido talento para llegar a la canción, no ha habido todo lo que hace falta para llegar a buen puerto: compromiso, fe, visión, ideas claras, tiempo,...tantas cosas que no son el talento.

Una gran lección.

1992,¿ mejor año para la música?

Interesante artículo del NME en el que se defiende por qué 1992 podría ser el mejor año para la música.

http://www.nme.com/blog/index.php?blog=1&p=12888&title=best_year_for_music&more=1&c=1

Podría estar de acuerdo, a pesar de, como dice el mismo artículo nada más empezar, los Beatles no sacaron disco ese año en particular. Y es que fué el año de la auténtica explosión del grunge en EEUU, Nirvana giraba con Nevermind y llegó al número 1 en enero, y ya estaba en el ambiente un proto britpop en Inglaterra, además de que Radiohead sacó el Creep, su single de debut, y un largo etc...

Y si no el mejor, casi casi seguro que fue el último de los grandes años antes de que la música cambiase radicalmente. Además, yo tenía una buena edad para escuchar Nevermind por primera vez.

5 de octubre, 1962

El 5 de octubre de 1962 cambió la historia cultural del mundo. Entonces nadie, o muy pocos lo supieron, pero vivimos con las consecuencias de aquel día hasta hoy.

Tal día como hoy hace 50 años se publicaba el primer single de los Beatles, "Love Me Do", y se estrenaba la primera película de James Bond, "Dr.No". No creo que sea exagerado decir que por lo tanto nacía tanto la música moderna, como el cine moderno (de acción, aunque influyó en todo). Ese día comenzaron los años 60. Hasta entonces el mundo alargaba los años 50, y en Inglaterra se vivía casi sin diferencias a los años 40, pero desde entonces no habría vuelta atrás.

El blog se alargaría mucho si tratara de analizar las repercusiones de ambos fenómenos en cine y música, pero lo que está claro es que 50 años después seguimos básicamente bebiendo a diario de ambas fuentes. No pasa un día en el que no se oiga un tema de los Beatles en cualquier parte o escuchemos algo de música inspirada, influida o robada de ellos, o que salga una nueva banda que reconoce su influencia directa. No pasa un día en que se mencione a John Lennon en cualquiera de sus facetas (cantante, compositor, icono de la moda, ideólogo,...). Y no pasa un día en que se estrene una nueva película de acción que desciende directamente de la forma de montar iniciada en Dr. No (antes el cine era mucho más teatral, una secuencia de lucha con espada de 5 minutos igual se resolvía en 3 planos master, y un par de primeros planos), o que algo sea "Bondiano", o que se oiga "mi nombre es Pito, Aga-Pito". De hecho, ahí siguen ambos: la nueva peli de Bond se estrena este mes, Paul McCartney y Ringo Starr siguen en el candelero siendo mitos vivientes, y los discos y recopilaciónes, películas, etc, salen casi a diario. 50 años después.

Un día que generación tras generación descubre, descubrió y descubrirá que influye en sus vidas cuando conozca al grupo o vea una película, que claramente supera a cualquier cosa que ha visto u oído hasta el momento, igual que me pasó a mí hacia los 13-14 años. Y es que los Beatles y Bond son las piedras angulares sobre las que se edifica todo lo que vino después.

Por supuesto han sido dos de los negocios más importantes (si no los más importantes) en la industria del espectáculo, y como tales algo excepcional. No creo que vaya a vivir algo similar en cine o música en mi vida. Quizá el impacto comparable sea  internet, que seguiran aquí 50 años después en 2062. Un día a marcar en el calendario.

A Liam Gallagher le gusta más John Lennon que Paul McCartney

Según aparece esta semana en el New Musical Express (NME).

http://www.nme.com/news/john-lennon/66196

La verdad es que no sé ni por qué escribo un blog sobre ello. Ha estado bastante clarito desde el principio. Eso no es la noticia. Lo que me llama la atención es que dice algo que nunca había dicho que yo ya pensaba: que en el coco de Liam, en Oasis, él era John, y su hermano Paul.

En la noticia compara por fin a Noel con Macca, diciendo que son "buenos" pero que son "too nice". Que le gusta más Lennon, por su "locura". En mi opinión, Oasis le debe tanto a Lennon como a Mccartney. Los himnos que tan bien hacían era hijos más de un "Hey Jude" que de "Strawberry Fields".

También dice que como compositor nadie puede tocar a Lennon, solo Lee Mavers, el de The La´s "se le acerca". Evidentemente, por muy bueno que sea el disco de los La´s, Liam refleja sus gustos más que la realidad. A mí también me gusta mucho "There she Goes", que es un un tema beatle totalmente, pero McCartney, Brian Wilson, etc, etc, componen seguramente tan bien como Lee Mavers...puede que incluso mejor.

Russian Red, proyecto Beatles

Russian Red (Lourdes Hernández o Fernández, siempre me olvido) ha generado varias noticias estos días. Por un lado, prepara una minigira con temas de los Beatles. Quiere hacer el Revolver completo más otros temas. Chapó. La ví en directo hace unos años, hizo una versión de Elvis Costello, "Angels wanna wear my red shoes", y la clavó. Tiene que ser una gozada oirla cantando un "I´m Only Sleeping" o un "She Said, She Said", o un "Eleanor Rigby".

Y es que canta muy bien, compone muy buen pop, es muy artística (las fotos que tiene por internet molan, tiene buen ojo), y encima es mona.

La primera vez que oí de ella fué (cómo no), a través de mi gran amigo Ramón. La vió en uno de los primeros festivales en los que tocaba, y luego coincidieron hablando con gente. Dijo que iba a pegar fuerte, y así fué.

Luego están sus opiniones. La montó cuando dijo que políticamente prefería "la derecha". Pues bueno, hay mucha gente. No hay más que mirar quién gobierna y quién gobernó en su día. Ninguna sorpresa con eso.

Lo de tener que cerrar su Twitter es otra cosa. Por lo visto ha equiparado en un tweet belleza a "extrema delgadez", para luego borrarlo, y escribir otro menos controvertido en el que decía más o menos que hay conocerse uno mismo...ejem. No, por ahí no debería ir. Ella tiene la suerte de ser muy mona, pero hay chicas/chicos que posiblemente quieran ser tan monas/os como ella que por mucho que adelgacen serán como son. Sus seguidores le han hecho ver su disconformidad.

Su último disco "Fuerteventura" tiene algún tema increíble. "The Sun, the trees", es una grandísima canción pop que no te puedes quitar de la cabeza una vez la oyes dos veces. Y le quedan muchos años de seguir haciendo música, que está claro que es lo suyo.

Amanda Palmer, gran canción

"The Killing Type" es una de las mejores canciones que he escuchado en tiempo. Y el video no tiene desperdicio. Es un vídeo del que Kurt Cobain estaría orgulloso; de hecho hay planos que me recuerdan a los videos de Nirvana. Eso sí, es un poco heavy, no es para menores ni para gente sensible. No lo hagais en casa.

http://www.youtube.com/watch?v=_g6-vYh4_jM

Amanda Palmer canta bien, tiene las ideas claras, y es ella misma. Su Bandcamp es genial, y sacar un disco de versiones de Radiohead con ukelele (que además se sale de bueno que es) es un puntazo. El espíritu del rock sigue vivo, a pesar de todo y de todos/as.

Redescubriendo a Oasis

He conseguido (no diré como) la discografía completa de los singles de Oasis. Estaba seguro de que habría alguna canción que no conocería, pero la verdad es que solo con canciones que no conozco podría grabar un par de CDs.

Sus álbumes son auténticos puntos cardinales del rock de finales del siglo XX. En especial los tres primeros (sí, incluyo Be Here Now) y el Don´t believe the Truth. Pero había aún mucho por descubrir y el lugar para hacerlo hasta que saquen la caja deluxe con tomas alternativas, etc, es su maravillosa colección de singles, y sus caras B,C,D.

Oasis, con Noel a la cabeza, eran una banda prolífica. Sobre todo en la primera época tenían joyas rebosándoles sus alforjas musicales. Que a finales de 1994 a solo meses de publicar Definitely Maybe, y en el proceso de composición de What´s the Story Morning glory saquen un single como Whatever que no está en ninguno de los dos discos, solo me puede recordar a la mejor época de los Beatles.

Hay muchos temas en directo, pero también versiones alternativas (un Un in the Sky acústico tan bueno como en el disco), y sobre todo temas como Acquiesce, the Masterplan, It´s good to be Free, que encajarían perfectamente en cualquier album.

Me gustan mucho sus versiones, y hay muchas que no había oído, en especial el Helter Skelter, y el Street Fighting Man (su I´m the Walrus es tan buena que casi lanza su carrera en los clubs de Manchester, y es que Liam debe mucho en su forma de interpretar a la manera de escupir las palabras de Lennon en ese tema).

En su último disco ya daba la impresión de que se guardaban material para proyectos en solitario, y así ha sido: tanto el disco de Beady Eye como el de Noel harían un gran disco doble de Oasis.

También decir que a pesar de que la banda puede que mejorara en versatilidad cuando Gem Archer y Andy Bell entraron en la formación, escuchando los temas de 1994 y 1995 te das cuenta de que era una banda extremadamente sólida cuando Bonehead era guitarra rítimica y Tony McCarroll tocaba la batería. Posteriormente he leído entrevistas con sus productores e ingenieros que alababan a los dos músicos como parte integral del sonido de la banda, y que los echaban de menos en discos posteriores. Puede que no sea casual que el único disco en el que están los dos sea el mejor en la mayoría de las listas, Definitely Maybe.

Estoy escuchando otra joya que no conocía de la primera época, Listen Up. Altamente recomendable.

50 años con los Beatles

El 18 de agosto se cumplió el 50 aniversario de que Ringo Starr se uniera a los Beatles, con lo que comienza oficialmente el jubileo. Medio siglo desde que se formó el cuadrado mágico de los fab four, John, Paul, George y Ringo. A partir de ahora las efemérides son múltiples. La primera sesión de grabación, la publicación de Love Me Do en octubre, el primer LP a principios de 2013...Habrá peregrinaciones a Liverpool, a Abbey Road, a Strawberry Field,...

Notareis que se habla de ellos como de la realeza o de una religión. Y es que lo son. Por mucho que haya llovido, en mi opinión siguen siendo la banda más completa de la historia, y la razón es muy simple: su música. Nunca volverá a pasar, no volverá a haber un mensaje tan universalmente aceptado como su música lo fué desde 1962 hasta hoy mismo. La prueba está en la calle misma, salid y preguntad a cualquiera por los Beatles. Os apuesto algo a que cualquiera es capaz de tararear una canción. Y me refiero a cualquiera, desde chicos de 12 años hasta abuelitos de la edad de Paul. Y eso lleva ya 50 años pasando. Ahora probad con cualquier otra banda de la historia. Estoy seguro de que por muy grandes que creais que son, le vais a una abuelita y no es capaz de silbar ni una nota, pero fijo que silba el Submarino Amarillo.

A la par que musicalmente, pusieron la primera piedra de lo que es estar en una banda de rock en casi todo. Un ejemplo muy desconocido su su primera gira, en la que todos se cambiaron de nombre, y Paul McCartney se rebautizó Paul Ramone, para luego enfundarse todos en chupas de cuero. Con ese look tocaron muchísimos bolos en Hamburgo y Liverpool entre 1960-1962. Quince años después, inspiraron a los Ramones a enfundarse en cuero y cambiarse sus nombres.

Así que no, no todo son corbatitas y She Loves You. Los Beatles son una sorpresa contínua de canciones inacabables, estilo atemporal y filosofía vital que lleva 50 años ahí.

No soy fan de los Planetas

Lo reconozco, nunca he escuchado "Una semana en el motor de un autobús", por lo que nunca supuso un punto y aparte en mi vida, ni me vi reflejado en sus maravillosas letras, ni les he visto jamás en directo. Es más, no soporto como canta J, como estira las palabras, como canta en un tono que se queda confundido entre la muralla de guitarras...podría seguir. No lo haré.

Solo diré que SI soy fan del batería. Esta entrevista es puro rock and roll...

http://www.youtube.com/watch?v=vBtD5JdNqms

Redescubriendo a Blur

Me he comprado la box set con toda la discografía de Blur que acaban de publicar. Es una edición muy lujosa, cada disco trae un disco más de rarezas, caras B, maquetas y conciertos (en total son 21 CDs), y además 3 DVD, un libro comentando cada disco, y un single de vinilo de cuando aún se llamaban Seymour.

Reconozco que yo les descubrí tardísimo, ya en el Great Escape en 1995, pero desde entonces no he dejado de ponerlos de banda sonora en mi vida. Son una banda con ese toque de genio, actitud, arrogancia que hace que vayan a pasar claramente al panteón de los grandes. Saben hacer grandes canciones, inmediatamente accesibles, pero siempre con giros inesperados que hacen que lo que podría ser un tema convencional suene diferente, nuevo, y sobre todo personal. Así un tema tan accesible como Country House era a la vez corrosivo, y entre los temas de un disco oscuro como 13 sonaba una melodía tan inmediata como Coffe and TV.

Como instrumentistas parecen del montón, hasta que tratas de ver qué están haciendo, y te encuentras con grandes sorpresas en todo. Graham Coxon es un gran guitarrista en la mejor tradición de guitarristas ingleses eficaces que sirven a la canción con originalidad y sabiduría; las atmósferas que crea Damon Albarn con sus sintetizadores vintage ya en los años 90 (sobre todo a partir de Blur en 1997), los apartaban del resto de las bandas del momento, que solo trabajaban con guitarras; en eso han sido precursores del revival de los sonidos sintéticos que se vivió en la década de 2000; Alex James es un bajista imprevisible, y por lo tanto interesantísimo, con un gran groove (Beetlebum), y Dave Rowtree es un batería perfecto, en la mejor tradición de Ringo.

Siempre se ha recalcado (ellos lo han hecho sin descanso) lo mucho que Oasis eran fans de los Beatles. Sin embargo, siendo un beatlemaniaco acérrimo y conociendo todos los recovecos de los discos de los Fab Four, para mí, si hubo un grupo en el britpop de los 90 que se acercaba más a ellos, esos eran Blur. No solo por razones obvias, al ser cuatro miembros, sino por las sutilezas de su química como banda: Damon es claramente el líder muy Lennon, y Graham el segundo hombre, y el mejor instrumentista, y su relación con Damon fué salvando las distancias, análoga a la de McCartney con John; Alex y Dave hacen el papel de George y Ringo, apoyando en todo y dando un sonido personal, que definió muchos momentos cumbre en la banda (los bajos distorsionados de Alex son los que dan a Song 2 su pegada y personalidad).

Blur crearon el Britpop con Modern Life is Rubbish, haciendo de su estilo british bandera en la cara del grunge en un año como 1993 dominado por las bandas de Seattle.

Por un breve periodo de tiempo el mundo volvió a los 60 en calidad y cantidad: Modern Life is Rubbish, Parklife y Great Escape salieron en 1993, 1994 y 1995 respectivamente. Y Blur fueron los nuevos Beatles. Ellos lo tenían claro, solo hay que ver esta foto...

http://www.plasticosydecibelios.com/blur-como-beatles/

Rock como rebelión

El rock fue un símbolo de rebelión en sus comienzos. En los años cincuenta, los adolescentes americanos blancos comenzaron a poner discos de Bill Haley, Fats Domino, Elvis, Little Richard, Chuck Berry, etc, cantantes blancos y negros cuyo sonido era definitivamente negro, adaptando los sonidos del blues. Sus padres estaban escandalizados por las letras, de un claro doble sentido sexual, y sobre todo por los bailes que los acompañaban.

En los primeros sesenta, el rock se había domesticado. Todo era soleado, bonito, casto y puro, y blanco, muy blanco. Frankie Avalon, los primeros Beach Boys, y las pelis de fiestas en la playa tranquilizaron a los papás y mamás de las casitas adosados de los suburbios, que pensaron que había pasado la fiebre del rock and roll (a la postre una palabra slang para designar el acto sexual), había pasado a mejor vida.

Pero llegaron los Beatles e invadieron América, Inglaterra y el mundo, volviendo a pasar de matute la esencia del rock original, la rebeldía adolescente, esta vez con mucha coña, inteligencia, y un estilo europeo que también tenían los demás grupos de la invasión británica. Los Rolling Stones llevaron el sexo a la primera plana de los tabloides con su Satisfaction, y ya no hubo vuelta atrás. Esa batalla estaba ganada.

A mediados de los sesenta, el foco de la rebelión pasó de ser generacional, a ser político. La guerra de Vietman empezaba a ocupar todos los noticiarios, y el rock empezó a rebelarse contra un gobierno mentiroso que hacía que miles de chicos fueran a luchar una guerra injusta al otro lado del mundo. Está tendencia llegó a su máximo en el 68-69, entre el Mayo francés y Woodstock en agosto del 69. Las riñas de los papás por llegar tarde quedaban muy atrás. Ahora los niños fumaban marihuana, viajaban por el universo, tiraban ladrillos en las calles de París, y protestaban en Washington delante de la Casa Blanca, con los grupos de la costa Oeste, los Stones y Jimmy Hendrix de banda sonora.

En los 70 fue todo más artístico que nada. Si hubo rebelión, fue sexual, con el glam rock. Eso hasta llegar a 1977, cuando el punk volvió a patear los morros del establishment.

Los 80 trajeron el rock corporativo. Los Stones seguían ahí, pero la rebelión llevaba 15 años enlatada. Era un circo, un show, atraía grandes masas, y ponía su granito de arena por causas que valían la pena, como el Live Aid, pero de rebelión, cero pelotero.

Hubo que esperar hasta el grunge de principios de los 90 para volver a rebelarse. Esta vez era una mezcla de todo. Se pateaba la América de Reagan, aunque de manera bastante tangencial, era una afirmación del espíritu adolescente, se pateaba el establishment del rock mismo. Por patearse, se pateaba hasta a uno mismo. No duró mucho. A mediados de los 90, con el britpop, se cerró el círculo. se recuperaron los 60, pero en ropa, peinado, y guitarras. Las ideas revolucionarias no estaban ahí.

Y así hasta ahora, entre Coldplays, Strokes, Libertines, Amys, Foo Fighters,´Riahnnas, Ladys Gagas y Adeles. No hay rebelión. Nada, cero. Calidad de la música aparte, el mensaje es limpio. ¿Por qué? Quizá es que todo el mundo está feliz y contento, quizá porque en realidad no hay ya nada contra lo que reberlarse, todo está bien, no hay guerras en el mundo, ni causas que merezcan la pena, los padres son comprensivos con sus hijos adolescentes (de 15 a 35 años de edad), los políticos son seres inteligentes, valientes, y justos, económicamente todo va bien...¿Por qué rebelarse?

En serio, a este mundo le hace falta una banda de rock que le patee en los morros de una vez, que le pegue una patada en el culo, que le espete cuatro verdades bien dichas con cero de corrección política, que le saque los dientes de un puñetazo ideológico a la basura que gobierna el mundo. Como Elvis cuando meneaba sus caderas, como Hendrix destrozando el himno en Woodstock, como los Stones grabando Street Fighting Man en mayo del 68, como los Pistols cantando no hay futuro...

Este mundo necesita el rock como rebelión más que nunca.

RAM, Posiblemente el mejor disco de Paul McCartney (II)

El disco se abre con una de mis favoritas, "Too Many People". Ya no se graban sonidos así, literalmente. Las guitarras acústicas suenan casi como eléctricas, la batería suena en todo el campo estéreo golpeando el estomago, y la voz de Paul está en su mejor momento. Sin siquiera haber cumplido 30 años, su voz es un todoterreno: sabe modular  gritos desgarradores, falsetos perfectos, y llegar a notas más altas (o más bajas) que casi cualquiera, y sonar natural. Esta canción es un buen ejemplo de versatilidad. El tema modula de la tonalidad original en sol en un par de ocasiones para incorporar sendos solos de guitarra (interpretados por el mismo Paul con su Epiphone Casino), y no da un momento de respiro. Todo ello aderezado con una de sus melódicas lineas de bajo walking bass, que dirigen el low end, encajando como un guante en el patrón de bombo.

Lennon siempre dijo que en esta canción había mensajes dirigidos a él, y Paul lo acaba de confirmar. el "too many people preaching practices" es obvio.

"Three Legs" podría parecer un simple blues, pero la grabación juega con los arreglos de guitarra acústica para que no decaiga el interés (soberbio David Spinozza), y la línea de bajo vuelve a conducir el tema.

"Ram On", que tendrá un reprise al final del album es uno de esos experimentos juguetones que a Paul le gustaba incluir ("Wild Honey Pie" y "Her Majesty" son más ejemplos), en los que da rienda suelta a su imaginación. Acompañado de un ukelele, tararea una melodía tan simple como pegadiza, pero la envuelve de unos arreglos tan ingeniosos (percusivos, con patadas en el suelo, y bongo, y vocales) que queda para mí como uno de los temas más memorables. Mención aparte es la mezcla del tema, lleno de un reverb que lejos de sonar artificial (estamos aun en 1971, no 1986!), suena orgánico, real.

"Dear boy" es otra de mis favoritas, un tema de piano que no tiene nada que ver con "Hey Jude". La batería y el bajo funcionan como un reloj suizo en un inventivo patrón que de ser más convencional podría hacer al tema monótono, pero que consiguen darle darle incluso más fuerza. La instrumentación se usa más como ritmo, incluidos piano y guitarra eléctrica, para hacer destacar las voces, lo mejor de la canción. Los arreglos de voz son posiblemente los mejores que haya hecho Macca en estudio, y eso es rayar muy alto con en una carrera como la suya. Me explico. No se dedica a hacer ooos y aahs, sino que compone una especie de mini sinfonía de fondo usando las voces a modo de orquesta. Se ha citado a los Beach Boys como influencia, pero a mi a lo que más me recuerda es a la banda sonora de "Butch Cassidy & Sundance Kid", al tema "South American Getaway" con sus coros de chicos y chicas respondiendose unos a otros. La peli había salido un año antes de grabar RAM, y no es descabellado pensar que Paul pudo escucharlo y que se le viniera a la cabeza al grabar coros con Linda.

Lo que me lleva a darle el crédito que se merece a Linda McCartney. En mi opinión, es el ingrediente X de la carrera en solitario de Paul. Sus coros suenan perfectos junto a su marido. Sin tener la mejor voz del mundo, ni ser cantante profesional, consigue darle a todos los temas en los que participa un sonido característico inimitable.Gente tan poco cuestionable como Elton John o Michael Jackson alabaron el sonido que conseguían Paul y Linda tras el micro. Como anécdota, mencionar que en el primer disco que grabó Paul tras la muerte de Linda, "Run Devil Run" de 1999, hay un tema "What it is" en el que hubiera jurado y perjurado que canta Linda. Paul  ha reconocido en entrevistas que a él  le suena como si cantara ella, pero que se grabó un año después de su muerte (tendría que haber llamado a Iker Jimenez).

Y llegamos a una de los temas claves del disco, "Uncle Albert/Admiral Halsey". Tengo que reconocer que no está entre mis favoritos. Llegó al número 1 en agosto de 1971, lo que visto desde 2012 es un milagro. Es complejo, compuesto por varias partes que van fluyendo la una en la otra, y pasando por varios estilos. Empieza como una tranquila pieza susurrante, casi chill out, incluyendo efectos de lluvia y truenos. Luego entra la orquesta aumentando las lineas de guitarra eléctrica (un Hugh McCracken que vuela solo, con el consentimiento de Macca, que no sabía qué quería exactamente en las partes de guitarra). Pasando a un ritmo más marcial, adornado con curiosos efectos orquestales en los horns, llega mi parte preferida, el "Hands Across the Water", y el "Admiral Halsey notified me...", cerrando con varios cambios en el ritmo sobre los mismos motivos. Un gran tema, diferente, innovador, arriesgado, y sobre todo bien hecho. Paul descubriendo a Paul, y dejando atrás al beatle Paul.

RAM, posiblemente el mejor disco de Paul McCartney en solitario (I)

Por fin Paul McCartney le ha hecho justicia a este disco y lo ha reeditado dentro de la Paul McCartney archive collection. Para un fan como yo, estas reediciones son simplemente el paraiso, pero esta en concreto es muy especial, supongo que porque para él este disco también lo es.

Tras separarse de los Beatles en 1969, Macca grabó el McCartney I, que es oficialmente su primer disco en solitario. En realidad, aunque es cierto que lo es, la mayoría de los temas estaban compuestos con los Beatles en mente, y muchos fueron ensayados en las sesiones para Get Back en enero de 1969. Además, Paul grabó en su casa con una cuatro pistas (otro rasgo de pionero), cosa que Paul llevaba años haciendo para maquetar sus temas, con lo que el McCartney I es para mí casi más el último album de su etapa beatle, o el album de la ruptura si se prefiere. El primer disco que compuso sin los Beatles fue RAM. Además, fue el primero (y único) que firmó con Linda McCartney, lo que lo hace doblemente especial.

Sin ninguna duda, a pesar de su etapa Beatle, y de su posterior etapa con los Wings, y a partir de los 80 ya como artista en solitario totalmente establecido, su etapa más interesante para mí es la que va de 1970 a 1973, que es cuando se está buscando a sí mismo musicalmente, probando todas las novedades que se le ocurren sin miedo, huyendo de cualquier cosa que huela a musica beatle. Y en esta etapa, RAM es su mejor ejemplo.

Compone los temas en su granja de Escocia en el verano de 1970, tras lo cual se va a New York en el otoño, y empieza a buscar músicos. Aquí ya empieza a definir lo que será su sonido en solitario,al tocar por primera vez con otra gente que no sean sus colegas de Liverpool. Elige a Denny Seiwell, interesantísimo batería que tocaría con los Wings posteriormente, un maestro manejando los toms, y el bombo, y capaz de crear texturas rítimicas innovadoras, y a la vez tocar el más sólido backbeat; a la guitarra, David Spinozza, uno de los guitarristas de sesión más renombrados de los años 70 en New York, y cuando este no está disponible, Hugh McCracken, otro gran guitarrista de sesiones neoyorkino, clave para crear las texturas de Uncle Albert/Admiral Halsey.

En mi siguiente entrada sobre RAM (no puedo poner todo lo que pienso sobre el disco en una!), repasaré las canciones, y la parte que es, a mi juicio, clave del sonido.

Ram On

Love of Lesbian, bienvenidos al mainstream

Nunca había escuchado a Love of Lesbian (únicamente si cabe alguna canción suelta que te ponía tu amigo indie, que no recuerdo), nunca les había prestado atención, nunca los he visto en un festival o en directo, y desde luego no tenía ningún disco suyo.

Este mes me he comprado su nuevo disco, "La noche eterna. Los días no vividos", en un impulso, tras leer su entrevista en el Rolling Stone de junio. Ha sido la mejor decisión musical que he tomado en lo que va de año (y puede que en unos cuantos años).

Me parece un disco redondo. De estos que te pones y no puedes dejar de escuchar entero, de cabo a rabo. (los dos discos, ya que es doble). De estos discos que funcionan, que conectan contigo, con el momento psicológico que estas viviendo y no sabes por qué. De estos discos que eliges oir por encima de otros 300 de tus listas de reproducción y simplemente fluyen. Por todo, por su calidad musical, por las letras, y por la curva emocional al escucharlo. Sobre todo, porque en esos dos CDs hay música real, hay melodías, hay temas bailables, hay baladas, hay grandes momentos pop. No hay 35 minutos de música vacía "porque tocaba grabar un disco".

Los mejores temas para mí son "Los Seres Unicos", "Nada", "Oniria e Insomnia", "Si Salimos de esta", y "Radio Himalaya". Pero lo mejor es ponerlo y escucharlos todos, uno tras otro.

Bienvenidos al mainstream, como cuando los Beatles dejaron de tocar en la Cavern y en Hamburgo.

Un ejemplo, "Si salimos de esta" en acústico. Funciona como canción totalmente desnuda, como pasa con las grandes canciones.

http://www.youtube.com/watch?v=ssvdVxGLeHo